# Valeria Cataudella “Conchiglie 2″ acrilici, sabbia e gemme di vetro

L’altra notte m’hanno sognato,
andavo alla deriva
ero uno schema notturno
lo schema del paese,
non so ancora chi e
quanto di me ha sognato,
se era contendente o
interrogante,
certo di me il meglio han sognato
un uomo o un luogo,
mi son risvegliato una carcassa
con stelle marine addosso,
un topo nella città
legato alla toponomastica
alla sua immutabile felicità,
uno che s’è lasciato sognare
ingenuamente, quesi per niente,
colto di sorpresa nel sonno

da Tabarin, Rossi e Spera Editore, Roma 1985

Ecco in anteprima il programma della XIV edizione del Pollino Music festival che si terrà  6, 7, 8 e 9 agosto a San Severino Lucano (PZ)  nel cuore del Parco Nazionale Del Pollino (Campo Sportivo & Centro storico). L’ingresso è libero.

Programma delle manifestazioni:

giovedì 6 agosto – Anteprima PMF ‘09
Centro storico _ ore 21,30
Proiezione del film L’Orchestra di Piazza Vittorio di Agostino Ferrente vedi il trailer

venerdì 7 agosto
Centro storico _ dalle 11,00 alle 14,00 e dalle 18,00 alle 21,00
CERTO SENSO: aperitivo musicale a km 0
Don Francisc “Taranta Lounge” dj set www.tarantola.de

Campo sportivo _ dalle 21,00 in poi
Don Francisc’ “Taranta Dance” dj set www.tarantola.de
CAPONE & BungtBangt www.caponebungtbangt.com
L’ORCHESTRA DI PIAZZA VITTORIO www.orchestradipiazzavittorio.it

sabato 8 agosto
Centro storico _ dalle 11,00 alle 14,00 e dalle 18,00 alle 21,00
CERTO SENSO: aperitivo musicale a km 0
Brigante Sound “Striktly Roots” dj set www.myspace.com/brigantesound
ospiti: Manuel & Big Simon (Krikka Reggae)

Campo sportivo dalle 21,00 in poi
Bum Bum Baby San www.myspace.com/bumbumbabysan
ALMAMEGRETTA www.myspace.com/almamegretta
SUD SOUND SYSTEM & Bag A riddim Band www.sudsoundsystem.eu
Brigante Sound dj set www.myspace.com/brigantesound

domenica 9 agosto
Centro storico _ dalle 11,00 alle 14,00 e dalle 18,00 alle 21,00
CERTO SENSO: aperitivo musicale a km 0
Devasto “PMF Vibrations” dj set www.myspace.com/djdevasto

Centro storico_ dalle 21,00 in poi
Racconta Pollino
Smania Uagliuns www.myspace.com/uagliuncasmania
mArAsmA www.myspace.com/marasmaband
Il Ristretto www.myspace.com/ilristretto
Musicamanovella www.myspace.com/musicamanovella
ANDREA RIVERA www.myspace.com/riveraandrea

Diverse le novità e le attività parallele al festival: visita il sito www.pollinomusicfestival.it

L’ingresso a tutti gli eventi è libero

INFOFESTIVAL : info@multietnica.org

Come arrivare:
in auto
dalla A3 Salerno-Reggio Calabria
uscita Lauria Nord _ ss 653 sinnica per 29 Km
uscita Valle Frida-San Severino Lucano
sp n.4 direzione San Severino Lucano per 12 Km

oppure (per evitare la corsia unica da Padula a Lauria Nord sulla A3 SA-RC)

dalla A3 Salerno-Reggio Calabria
uscita Atena Lucana_ ss 598 Fondovalle Agri per 80 Km circa
uscita Uscita Senise _ SS 92 fino alla ss 653 Sinnica (direz. A3 SA-RC)
sp 653 Sinnica per 15 km circa _ uscita Valle Frida-San Severino Lucano
sp n.4 direzione San Severino Lucano per 12 Km

dalla Ionica (ss 106)
uscita Senise – SA/RC – ss 653
ss 653 Sinnica _ uscita Valle Frida _ San Severino Lucano
sp n.4 direzione San Severino Lucano per 12 Km

in bus con autobus di linea per San Severino L.
per info autolinee Sita (www.sitabus.it tel. 0971.506811)

in treno
stazioni ferroviarie più vicine:
Policoro (MT) | Maratea (PZ) | Sapri (SA)

in aereo
aereoporti più vicini:
Napoli Capodichino | Bari Palese | Lamezia Terme

Dove alloggiare: per info su CAMPEGGIO LIBERO e STRUTTURE RICETTIVE visita il sito www.pollinomusicfestival.it

Ideazione e Organizzazione : MULTIETNICA – Potenza

Partners istituzionali:
COMUNE DI SAN SEVERINO LUCANO
UNIONE EUROPEA
REGIONE BASILICATA
APT Basilicata
ENTE PARCO NAZIONALE DEL POLLINO
PROVINCIA DI POTENZA

Con il supporto di :
BR’HANT www.birrificiolucano.it

Vincenzo D’Alessio su “Le storie minime” di Maria Pina Ciancio

Quando, in tempi di profonda solitudine umana come quelli che viviamo, giunge da un editore, non posizionato nel cuore del Meridione, un libro pieno di quella forza meridionale che riscalda le notti fredde del Nord di qualsiasi luogo conosciuto, e si avvale del contributo storico/critico di un poeta genovese nella postfazione, vuol dire che “La Questione Meridionale” non è più nella mani della politica: è oggi nelle mani della Poesia.

Finalmente le idee possono rifiorire nella mente di che legge questi versi. La Poesia ha trovato il solco in cui incanalare gli sforzi sostenuti dagli autori del Novecento, appena concluso, uniti alle nuove energie dei contemporanei. La raccolta della poetessa Maria Pina Ciancio “STORIE MINIME” (Fara 2009)  racconta il corso di questi avvenimenti: c’è la figura paterna cara a Scotellaro e Sinisgalli; i paesaggi lucani illuminati dal poeta Alfonso Gatto (del quale ricorre quest’anno il centenario della nascita) nei suoi articoli per “Il Giornale del mattino” di Firenze; la semplicità delle genti lucane e delle tradizioni care a Teresa Armenti; la storia dei vinti descritta dal bel romanzo “Il padre degli animali” di Andrea di Consoli.

Gli accordi armonici nella partitura di questa raccolta non hanno bisogno di troppe metafore: raggiungono l’immediatezza attraverso la “nudità” degli occhi della poetessa proprio come ha indicato Sannelli in postfazione: “quindi i testi dovranno essere innumerevoli, e riscritti nervosamente, sempre adottando tecniche diverse, quasi separate, anche sconvolgenti” (p.42). Diventano attori protagonisti delle composizioni in raccolta il vento, la neve, il buio, la notte, il viaggio. Una malìa che prende il lettore e non lo abbandona; uno spaesamento che rende invisibili i luoghi veri e traduce le immagini poetiche in luoghi senza tempo. Un misto tra paura ed incanto. Per molti motivi la scrittura di questo lavoro mi porta alla mente quello del poeta italoamericano Luigi Fontanella dal titolo “Terra del tempo” (Book, 2000).

“Mi abitano i paesi spopolati/ e il vento” (p.13) scrive Maria Pina, “Tra paese e città la terra nuda, il silenzio della campagna/ e una voce quanto più lontana”, scriveva Rocco Scotellaro nel suo “Viaggio di ritorno” negli anni cinquanta, sembra che  nulla cambi in Lucania. Nulla cambi al Sud della nostra bella penisola. Partono e restano. Stupidi e furbi. Buoni e violenti. Sembra un meccanismo che non smette di consumare vite umane, destini unici: “Sei fuggito scalzo/ di notte/ un tozzo di pane e una pera/ come mio padre, mio figlio/ e pure l’altro fratello” (p.17). Al nostro Sud sembra che non resti altra alternativa. Eppure c’è la stessa terra che ha sfamato uomini per migliaia di anni; la stessa terra che ha raccolto migliaia di salme; la stessa terra che ingoia i figli nella dimenticanza. Non è la terra cattiva, sono gli esseri che la popolano; l’ipocrisia che regna; la fame che comanda; i politici che nel loro potere sono simili ai violenti. Chi si oppone deve solo andarsene. E non è solo il potere civile, c’è anche quello clericale.

I motivi di dialogo con la nostra poetessa, attraverso i suoi versi, sarebbero tanti. Tanti sono anche gli spunti di ripresa dei moti antichi (anche se sono passati solo trent’anni)  di vita semplice, sana, dignitosa, contadina. Quasi c’è da vergognarsi a riesumare questa figura: fantasma distrutto dalla sete di città, dal rapido progresso industriale; dallo spopolamento interno verso “il benessere” fallito delle città costiere, dei nuclei industriali a tutti i livelli; del sacrificio di interi territori a vocazione agropastorale. Veramente la posizione della persona di cultura al Sud è di isolato, di solitudine. Veramente coloro che scrivono poesie, frequentano l’Arte, sono ancora “i filosofi” perseguitati dai politici borbonici: “Restiamo così al freddo dell’inverno/ che ci stacca l’intonaco dai tetti/ e il tempo del presente da noi stessi” (p. 28).

Vorrei dire che la Nostra ha adempiuto perfettamente al suo proposito “Vedi figlio ho imparato la sua voce” (p.39) parlando di Rocco Scotellaro. Direi che con questa prova storico geografica, il continente lucano di Scotellaro ha ripreso a girare in perfetta armonia con questa bella invocazione: “Cantate, che cantate?/ Non molestate i padri della terra” che il poeta sindaco dedicava ai poeti e a se stesso. Ma non basta. Questa è un’altra voce nel coro di quanti amano e scrivono per fare in modo che i mille rivoli poetici del suditalia raggiungano l’Europa disattenta. Noi abbiamo fame di Giustizia, di lavoro, di Gioventù. Siamo addolorati nel vedere i migliori ingegni andare lontano dalle nostre aule scolastiche, dagli ospedali, dai ruoli vitali delle realtà urbane. Basta con i furbi servi dei politici. Noi siamo rimasti la turba dei pezzenti, quelli che per tutta la loro esistenza continueranno a strappare, a padroni e politici, le maschere coi denti.

• Maria Pina Ciancio, Storie minime e una poesia per Rocco Scotellaro, Fara Editore, giugno 2009

Vincenzo D’Alessio

[foto in alto Tina Modotti]

© RUBRICA “SGUARDI E ASCOLTI DAL MONDO” a cura di M. Lizzadro

Ascolterei per ore ed ore “Qu’ rest t’il de nous amor” di Charles Trenet senza mai stancarmi,  figurarsi poi in una versione jazz come quella contenuta in “Mare Nostrum” di Richard Galliano, Paolo Fresu e Jan Lundgren del 2008. Il Mediterraneo come luogo di incontro di popoli e culture diverse ma anche come punto di partenza per esplorare territori sconosciuti, questa pare essere la metafora che sottende “Mare Nostrum”, album che vede l’esordio di un inedito trio jazz: il trombettista sardo Paolo Fresu, il fisarmonicista francese Richard Galliano e il pianista svedese Jan Lundgren. Tre mondi diversi, tre strumenti diversi si sono magicamente incontrati in un album dalle sonorità tenui, delicate e malinconiche. Dato che il jazz è anche apertura e confronto con altre culture musicali, quest’album è fatto di melodie che vengono da tradizioni e stili differenti. La bellissima canzone francese di un brano immortale di Charles Trenet evocatrice di visioni filmiche di Truffauttiana memoria, il folklore svedese, la musica di Maurice Ravel, alcuni brani della tradizione brasiliana di Tom Jobim e Vinicius De Moraes, così come le composizioni originali, tutto unito e fuso in un disco gradevole e molto bello. La varietà e la ricchezza di “Mare Nostrum” consiste in un’invenzione di grande fascino ed armonia: una miscela di jazz con una sfumatura di contemporaneità che forse ci offre l’immagine di un attualità in cui il jazz si fonde non confondendosi, ma arricchendosi con altri stili, altre tradizioni musicali. “Mare Nostrum”, come già detto, è l’incontro tra la tromba di Paolo Fresu, da decenni uno dei più grandi artisti jazz internazionali che coltiva incontri e collaborazioni in tutto il continente pur mantenendo un forte legame con la sua Sardegna, il fisarmonicista Richard Galliano, francese, la cui musica unisce jazz, tango e valzer e il pianista svedese Jan Lundgren che intesse influenze contemporanee e classiche, folclore scandinavo e jazz. Musica che privilegia i chiaroscuri timbrici. La mancanza del basso e della batteria rende la musica di “Mare Nostrum” rarefatta e sospesa, per cui sembra quasi che le composizioni siano crepuscolari e dotate di quella tenue e delicata malinconia che a volte è una delle caratteristiche dei più grandi capolavori della musica jazz, ma dell’arte in generale.

Richard Galliano è nato a Cannes il 12 dicembre del 1950. Fin da bambino ha studiato piano e fisarmonica col padre Luciano Galliano fisarmonicista italiano. Dopo un lungo e intenso periodo di studio con lezioni di trombone, armonia e contrappunto all’Accademia di Musica di Nizza, a quattordici anni, nella ricerca di una espansione delle sue idee sulla fisarmonica, ha iniziato ad ascoltare la musica jazz ed è rimasto impressionato dal trombettista Clifford Brown, dal quale ha preso numerosi spunti. “Ho iniziato ad inoltrarmi in questo campo ed uno dei miei insegnanti, Claude Noel, un ribelle della fisarmonica, ho speso gli anni della mia adolescenza cercando i dischi dei più grandi fisarmonicisti moderni in un momento in cui tutto ciò che potevi trovare nei negozi erano i fisarmonicisti tradizionali. Volevo suonare in una maniera diversa. E sapevo che questa maniera esisteva negli Stati Uniti ed in Brasile”, come confiderà lo stesso Galliano molti anni dopo. Dopo anni di studio e di apprendistato, nel 1973 è andato a Parigi, dove ha incontrato il cantante Claude Nougaro. Per tre anni ha ricoperto il ruolo di direttore d’orchestra, arrangiatore e compositore per quell’orchestra, come affermerà molti anni dopo lo stesso Galliano: “Un ‘orchestra come la Nougaro ha lasciato in me un segno. Con lui ho imparato specialmente l’importanza della melodia. Ora, quando compongo immagino di scrivere una canzone, anche se le mie musiche sono sostanzialmente strumentali”. Dopo Nougaro c’è stato l’importante incontro con il grande Astor Piazzolla, di cui sempre lo stesso Galliano ha detto: “Astor Piazzola mi ha guidato e mi ha aiutato a capire la necessità di ritrovare la mia identità. Fino alla sua morte siamo stati inseparabili. Mi ha aperto gli occhi e mi ha donato l’assoluta padronanza di questo strumento musicale che ha attraversato tutti i cambi delle mode, le passioni, e sofferto tutti i tipi di emarginazione”. Dunque Richard Galliano, erede diretto di Astor Piazzolla, interpreta, compone ed orchestra musica che appare come una mescolanza di tango, valzer, musica alla Bill Evans, improvvisazioni alla Keith Jarrett e reminescenze di Charlie Parker e John Coltrane, il tutto suonato con un piacevole gusto. Uno dei maggiori meriti di Richard Galliano è la sua originalità; il sintetizzare tutte queste esperienze in una musica europea costruita da improvvisazioni jazz e da una gran quantità di tradizione mediterranea. Un’altra peculiarità è il suo modo di adoperare la fisarmonica ed il bandonéon, strumenti musicali poco maneggevoli che hanno sempre avuto vita dura nel jazz e nella musica colta. Per anni, la fisarmonica è stata relegata al rango più basso della musica popolare , nelle mani di Galliano la popolare fisarmonica ha acquisito la policromia di un’orchestra e poi il tono intimistico della musica da camera.

Paolo Fresu è nato il 10 febbraio 1961 a Berchidda, in Sardegna. Ha iniziato lo studio della tromba all’età di undici anni nella Banda Musicale “Bernardo de Muro” di Berchidda, per appunto suo paese natale. Dopo varie esperienze di musica leggera ha scoperto la musica jazz nel 1980 ed ha iniziato l’attività professionale nel 1982 frequentando dapprima i “Seminari Senesi” e registrando quindi per la Rai sotto la direzione di Bruno Tommaso. Si è diplomato prima come Perito Elettrotecnico a Sassari, poi nel 1984 in Tromba presso il Conservatorio di Cagliari e ha frequentato successivamente la facoltà universitaria “Dams “ sezione musica presso l’Università di Bologna. La sua attività discografica vanta oltre trecento dischi e quella concertistica oltre duemila concerti. Vive tra Bologna, Parigi e la Sardegna.La banda del paese e i maggiori premi internazionali, la campagna sarda e i dischi, la scoperta del jazz e le mille collaborazioni, l’amore per le piccole cose e Parigi. Un personaggio singolare Paolo Fresu che è riuscito a trasportare il più profondo significato della sua magica terra nella più preziosa e libera delle arti, la musica. Non serve a nulla enumerare tutte le sue incisioni, tutti i premi che ha vinto e le esperienze varie che lo hanno imposto a livello internazionale e che fanno amare la sua musica: dentro al suono della sua tromba c’è una linfa magica in grado di rivoluzionare il jazz europeo, la profondità di un pensiero non solo musicale, la generosità che lo vuole nel posto giusto al momento giusto ma, soprattutto, l’enorme ed inesauribile passione che lo sorregge da sempre. Turbinosa, onnivora e creativa questi i primi aggettivi che mi vengono in mente per tentare di descrivere la musica di Paolo Fresu. Fra le numerose esperienze musicali di Paolo Fresu vanno annoverate quella col suo storico quintetto, quelle in duo con Uri Caine, quelle col quartetto “Devil” e la collaborazione con Carla Bley e Steve Swallow. Degni di nota sono anche i progetti con alcuni grandi nomi del mondo letterario e teatrale italiano: Ascanio Celestini, Lella Costa, Stefano Benni, Milena Vukotic poi anche collaborazioni per colonne sonore di importanti film. Anche se sarebbe un errore dimenticare le strizzatine d’occhio verso la musica classica con quartetti d’archi

Jan Lundgren è nato a Kristianstad in Svezia. Ha cominciato a prendere lezioni di pianoforte a cinque anni e dopo quasi un decennio di formazione pianistica classica ha scoperto il jazz, sua grande passione fin dal primo momento. Dal 1986 al 1991 ha studiato al Royal College of Music di Malmoe e in quegli anni ha iniziato la sua carriera da musicista professionista. Il suo talento è stato scoperto dal leggendario sassofonista Arne Domnerus. Nel 1994 è uscito il suo album d’esordio “Conclusion“. Negli anni a venire l’orientamento musicale di Lundgren non ha lasciato spazio a dubbi: la sua abilità trova massima rispondenza nel linguaggio del jazz. Nel 1997, “Swedish Standards“ è stato premiato come miglior album jazz dell’anno. Negli Stati Uniti ha registrato numerosi altri album.

Mariano Lizzadro

(foto in alto, Jan Lundgren)

Viaggio dentro i ‘paesaggi interiori’ di 20 scrittori italiani
(rubrica settimanale a cura di M.P. Ciancio – XXIII appuntamento)

Scrivere è un atto solitario, intimo e privato. Ci vuoi raccontare che senso ha per te la parola scritta e come vivi il rapporto della scrittura con l’altro e con il mondo esterno?
Questa settimana è nostra ospite Fernanda Ferraresso (detta anche Ferni) che ci racconta così il suo rapporto  magnatico e viscerale con la scrittura e le parole:

Scrivere, per me, è porsi davanti al proprio limite, percepito nettamente come un mare vasto, dunque un luogo, un luogo liquido, senza referenti o riferimenti ed è imbarcarsi, prendere il mare. Che poi il mare sia azzurro profondissimo, d’acqua o aria, o sia densità del rosso, del sangue, non è  importante, ogni parola si fa legno, pregno di quel mare. Ed è proprio il mare che  mi mette in comunicazione con l’elemento liquido più intimo e più intimamente mi riconduce agli estremi dell’essere, ancora prima che compaia sulla scena. Mi riferisco al ventre materno, e poi oltre, con la nascita anche la morte, come l’altra riva dello stesso mare, o dello stesso ventre. Dovunque mi muova, in qualunque direzione, che non è ai cardinali dell’orientamento, ma è dentro, sotto- sopra- tra, che sono ulteriori paesaggi o passaggi, ci sono sempre questi es(t)remi. Nella mia piccola imbarcazione i legni sono le ossa, le giunzioni tendinee i fasciami, le vele sono le tante percezioni tattili, olfattive, sonore, visive. Scrivere, in poche parole, è mettersi in disarmo, come persona, come identità, come architetto e progettista, programmatore della propria vita, accettando di  ricostruirsi come una barca fatta d’acqua, o che fa acqua, da tutte le parti, restando in alto mare. Gli scritti si fanno, in questo modo, cancel-labili, non sono la parte fondamentale del viaggio. Il viaggio è il movimento da cui si è stati at-tra-versati, proprio come i liquidi. Questa decisione di mettere il trattino tra le sillabe, in una specie di lallazione della parola, dopo averla frantumata, come se l’avessi spezzata in bocca, per mezzo della LINGUA, è un porgere la corda a chi è naufragato nel senso chiuso, concluso, di un significato senza movimento, sterile, morto, non solo mortifero o mortale per chi in sé pro-nuncia qualcosa che è suo, una specie di avvistamento di una terra lontana, da parte di chi è appunto in alto mare o si sente di essere lui stesso un alto mare. Le parole pietre affondano, in quel mare, sono  il canto perduto. Per essere mare devono subire la continua soluzione della scrittura delle onde, movimento senza sosta, continuo avvicendarsi di vita e morte, in un respiro senza fine che ci lega al cosmo, cioè dilata la scrittura, ma allo stesso tempo la scioglie, la dis-fà.

“ Senza parola scritta non c’è storia” dice Maria Zambrano e aggiunge che “le parole vere non permangono e basta, si accendono e si spengono, si riducono in polvere e ricompaiono intatte”.

Cercare il canto perduto delle pietre cadute, le parole dette senza  s-balzo o sobbalzo o capriola dell’onda sulla riva del mare, le parole  sul fondo del mare del linguaggio, significa per me cercare il suono profondo che ha segnato, scritto dunque, lo strappo, l’attimo di una creazione della terra e dell’uomo, anche lui pianeta, in cui quelle parole d’ombra sono state  espropriate all’universo, e sono nate, predisponendosi a morire e così a rinascersi. Credo che il testo inedito che porto, riesca a visualizzare quanto ho cercato di dire sino a qui e dica altresì, sinteticamente, ciò che significa relazione con il mondo e con l’altro, attraverso la scrittura o, meglio, il suo segnare /segnarci/segnarmi.

La sciolsi da me

la deposi sul filo dell’acqua
senza considerare la corrente
la furia di quelle lame
tra la roccia dei graniti
la memoria la squarciò
tagliò le gambe le braccia
la bocca schizzò solo sibili
rimase in equilibrio a mezz’aria
tagliata con il ventre aperto come se
di punto in bianco
nella pagina di un nuovo immenso silenzio
avesse potuto partorire una verità
assoluta
come se avesse potuto assolversi
come se la storia avesse potuto stare lì
tra quelle interiora massacrate
vocabolario di miserie e nefandezze mai sillabate
in cataloghi di alcuna lingua.
Deglutii
la lasciai morire
lasciai che in me
ritornasse sangue.

[giugno 2009]

NOTA

Fernanda Ferraresso  è nata a Padova dove vive e lavora.

Ha pubblicato ‘Migratorie non sono le vie degli uccelli’ (Il Ponte del sale 2009), è presente con un brano di  prosa in ‘LUCE E NOTTE – Esperienza dell’immagine e della sua assenza”‘ curato da  Anna Maria Farabbi e Lucia Gazzino (Lietocolle 2008),  è presente in ‘Ombre come cosa salda lettura del  canto VIII del Purgatorio dantesco’-( Collana La Bella Scola, Il Ponte del sale 2009), per la stessa collana ha collaborato alle illustrazioni dell’Inferno dantesco. Alcune partecipazioni a raccolte antologiche di Aletti e alla rivista on line VDBD con suoi articoli.

Ha partecipato ad alcuni  concorsi, vincendo il ‘Rabelais,?nel 2007 (vincitrice assoluta),  nel 2006 l’ex-equo ‘B. Brecht’; è  inoltre  tra i finalisti del premio ‘Teramo’98′.

Insegna presso l’Istituto d’arte di Padova, in precedenza presso il Liceo Artistico di Rovigo, attraverso il quale ha avuto modo di occuparsi di teatro e allestimenti scenografici.

Laureata in architettura presso l’IUAV di Venezia, si occupa di progettazione e grafica .

Cura, per la casa editrice  Il Ponte del Sale, il blog CARTESENSIBILI. Suoi testi si trovano in rete in molti siti che si occupano di poesia e letteratura.

(foto in alto, Fernanda Ferraresso)

Federica ha diciotto anni, i capelli corti e neri, gli occhi verdi. È bellissima. Ma è entrata in coma nel 2005 a causa di un incidente e ora non sa più nulla di ciò che è stato, che è, che sarà. Il silenzio rarefatto della sua cameretta è violato il più possibile perché, si sa, gli stimoli esterni la potrebbero prima o poi risvegliare. Quando la madre, il padre e la domestica non sono al suo fianco, è la tv a tenerle compagnia. Ma nel buio della notte, quando nessun rumore può turbare lo scorrere del tempo, una voce le racconta una storia che la riguarda molto da vicino. È una storia di antenati, eretici, briganti e imperatori, una girandola di vite che germina sul filo del ricordo. Avremo allora Maria Trafitta, con il suo sogno di farsi medichessa in un universo esclusivamente maschile; Braccio Cacciante, bandito temutissimo prima e idolatrato capitano di ventura poi; Belisario Maria, l’artificiere che con i suoi spettacoli pirotecnici ha stregato mezzo mondo. E il miraggio della costa sud del Mediterraneo battuta dalle fuste algerine, Solimano, il pirata Barbarossa e il vento del deserto. E, soprattutto, una misteriosa Madonna di legno che combatte strenuamente per ristabilire le sorti delle miserie umane. Raffaele Migro, con un romanzo storico-antropologico senza confini, è riuscito a ricreare la sontuosità del Cinquecento e i furori delle pestilenze, è riuscito a ricreare la sontuosità del Cinquecento e i furori delle pestilenze, gli scontri tra civiltà e il sapore denso della terra.

Santa Maria delle Battaglie di Raffaele Nigro, Rizzoli 2009

In occasione dell’uscita del suo nuovo libro “Mio padre racconta il novecento”, vi proponiamo in esclusiva un’intervista rilasciata dalla scrittrice lucana Teresa Armenti a LucaniArt.

M.P.C. – Cara Teresa, ti sei già occupata in passato di ricerca storica scientificamente documentata presso biblioteche e archivi, questa volta invece, con “Mio padre racconta il Novecento”, hai scelto di occuparti di una storia diversa, non più filtrata da documenti ufficiali, ma dalla viva voce di tuo padre. Ci vuoi raccontare com’è nata questa idea?

T.A. – Effettivamente, da oltre un ventennio, sono andata per archivi e biblioteche, per ricostruire, insieme alla mia amica Ida Iannella, la storia di Castelsaraceno. Io e Ida abbiamo consultato registri impolverati, siamo andati anche all’Archivio Segreto Vaticano, con una lettera del Vescovo, altrimenti non potevamo entrare, per la storia dell’Abbazia di S. Angelo al monte Raparo con il culto micaelico. La ricerca storica è affascinante, ma è molto faticosa e richiede anni di rigoroso lavoro. Il lavoro su mio padre, invece, è stato diverso, direi anche, sotto molti aspetti, divertente. Devo precisare che mio padre, nel corso degli anni, ha sempre raccontato i fatti di guerra, soprattutto durante i pranzi con parenti ed amici, tanto che qualcuno l’ha definito “Il guerriero”. Si poneva al centro dell’attenzione ed attirava la curiosità degli ascoltatori, perché faceva rivivere l’episodio con un tono di voce vibrante, che variava a seconda dell’intensità del racconto, accompagnato da una mimica particolare e dal linguaggio onomatopeico. Spesse volte temevo che i convitati si potessero annoiare ed allora ricorrevo ad alcuni interventi per cambiare discorso.
L’anno scorso, a Castelsaraceno siamo stati sepolti dalla neve. Per un mese e mezzo non siamo usciti di casa. Come dovevamo trascorrere il tempo, io e mio padre, nel migliore dei modi? L’ho invitato a raccontare i suoi fatti, non solo di guerra. Li ho registrati con l’MP3 e successivamente, la sera, li ho trascritti al computer, dando un ordine cronologico ed una forma comprensibile.

M.P.C. – Considero questo un libro coraggioso, per la capacità che tu e tuo padre avete avuto di mettervi in gioco. Quanto vi è costato in termini di tempo e cosa ha rappresentato nel vostro rapporto di padre-figlia.

T.A. – Parlare di se stessi, delle proprie origini, è senz’altro rischioso, perché la nuda e cruda realtà ti viene messa davanti, senza edulcorazioni varie. Ma è bello mettersi in gioco, perché entri in contatto con la parte di te, che cerca di sfuggirti, ti scrolli di dosso i pregiudizi, le negatività che ti hanno accompagnato, ti metti in relazione con il mondo che ti circonda e ti riconcili con te stessa e con gli altri. Mi vengono in mente, a questo punto, i versi di Rocco Scotellaro, a me tanto caro “Siamo entrati in gioco anche noi, con le facce e le scarpe che avevamo.” Mettere da parte, poi, tutte le altre occupazioni e dedicarmi completamente a mio padre, ascoltandolo attentamente per ore ed ore, è stato un semplice gesto di amore. Il nostro rapporto si è senz’altro consolidato; abbiamo avuto maggiore comprensione reciproca; ci sono stati meno “musi lunghi”, più tolleranza. I nostri cuori, a lungo compressi, si sono finalmente inteneriti.

M.P.C. – Da un punto di vista narrativo, hai cercato di recuperare per quanto possibile la verità della storia e del sentimento a discapito della narrazione vera e propria. Una scelta rischiosa che però ha funzionato. E’ così?

T.A. – Ho voluto semplicemente lasciare la testimonianza scritta di un contadino del Sud, che ha attraversato il 900 con dignità e spirito di sacrificio, ma anche con arguzia, senza pensare ai rischi della narrazione.

M.P.C. – Il libro procede secondo una scansione temporale dei fatti con la scelta di un registro linguistico semplice e lineare di grande effetto. Come sei approdata a questa consapevolezza.

T.A. – E’ stato difficile dare una scansione ed una forma al racconto. In un primo momento volevo raccontare solo gli episodi relativi alla seconda guerra mondiale (la battaglia di El Alamein, gli anni di prigionia). Successivamente ho pensato di ripercorrere i momenti più salienti del primo ‘900, incominciando dalla prima guerra mondiale, passando all’epidemia della Spagnola ed al lavoro che si svolgeva a Castelsaraceno. Volevo intervenire sulla narrazione, con un linguaggio più corretto ed appropriato. Ho fatto dei tentativi, ma mi sono accorta che non funzionava. Poi mi sono detta: “Se è mio padre che parla, devo lasciargli il suo modo di esprimersi, semplice e stringato, con espressioni dialettali.”
Un lavoro di registrazione e trascrizione di fatti sulla biografia di altre perone presenta peculiarità e caratteristiche sicuramente complesse. Sarebbe interessante scoprire e conoscere come si sono susseguite le fasi di questo lavoro di ricostruzione biografica. Come ho riferito, durante la nevicata del 2005, ho registrato e trascritto i fatti di vita più salienti. Successivamente ho accantonato il lavoro ed ogni tanto l’ho ripreso, rileggendo e correggendo qualche brano. Ho interpellato spesso anche mio padre, per chiarire alcune incertezze. Ho consultato i manuali di storia, per verificare alcune date, come la guerra con la Francia nel 1940, la presa di Tobruch, la battaglia di El Alamein).
Nel mese di maggio, mio padre, che ha la bella età di 93 anni, è stato ricoverato in ospedale per problemi cardiaci. E’ scattata, allora, in me l’urgenza di portare a termine il lavoro. Ho trascurato altri impegni e mi sono dedicata, soprattutto la sera, a leggere, rileggere, riordinare, correggere il racconto. Nel giro di un mese, grazie alla sollecitudine dell’editore Vincenzo D’Alessio di Solofra, è stato stampato.

M.P.C. Il racconto di zio Felice, testimonianza “tragica” in un secolo che ha conosciuto molte tragedie, è attraversato in più punti da esperienze fortemente drammatiche, seppure velate a tratti da una lieve ironia. Il suo raccontare è sempre stato spontaneo, oppure qualche volta hai riscontrato delle reticenze? A un certo punto la storia sembra avere una brusca interruzione. Si è trattato di un caso o di una scelta?

T.A. Mio padre, come ho detto in precedenza, ha raccontato spontaneamente i fatti a lui accaduti con dovizia di particolari e con precisione. E’ come se nella sua mente ci fosse un registratore: stesse parole, stesse pause, stesso tono di voce. Egli si è soffermato soprattutto sulla vita della prima metà del Novecento e del secondo dopoguerra, quando si doveva lottare per la sopravvivenza. Del periodo – diciamo – del benessere raggiunto, lui non ne parla, come pure di mia madre e della vita trascorsa insieme a me dopo la sua morte. Non osa manifestare il suo dolore per la perdita dei suoi cari, ma lo avvolge in un alone di silenzio profondo. Io volevo anche narrare gli anni 70, 80, 90, ma giacché mio padre non ne parla, ho rispettato la sua narrazione, non ho aggiunto niente, non ho forzato la mano.

MPC – Zio Felice è contento nel sapere che questa sua testimonianza potrà favorire un maggiore approfondimento della storia del nostro paese e soprattutto potrà essere uno stimolante strumento di riflessione per le nuove generazioni?

T.A. – Mio padre è molto soddisfatto di questa pubblicazione, anche se sorpreso, perché non se l’aspettava. Lo si legge negli occhi e nell’interesse che mostra. Dice sempre “Quello che io racconto sono fatti veri, fatti davvero vissuti sulla mia pelle. Ora i giovani non conoscono il sacrificio.” Attraverso la sua narrazione, è stata recuperata una parte della memoria storica del nostro paese. Le nuove generazioni potranno conoscere una realtà ormai scomparsa, apprezzarne i valori su cui era basata, l’ironia da cui era attraversata e la semplicità gioiosa con cui era vissuta. Conoscendo il passato, potranno costruire il loro futuro, inneggiando alla vita.
Teresa Armenti, Mio padre racconta il Novecento, Ed. “F.Guarini” 2006

Maria Pina Ciancio

Intervista apparsa sul web all’indirizzo lucaniart.blogstop
e su il periodico IL SIRINO

foto di M.P. Ciancio, in alto Teresa Armenti al centro Felice Armenti

Il Centro Studi e Ricerche “Francesco Grisi” rende omaggio al poeta Vito Riviello scomparso il 18 giugno scorso con un convegno e una lettura di testi: “Un poeta nella recita del Sud”.

Il Centro Studi e Ricerche “Francesco Grisi”, diretto da Pierfranco Bruni, ricorda il poeta lucano Vito Riviello in un incontro fissato il prossimo 2 luglio a Grottaglie (Taranto).

Un omaggio ad una poetica del Sud il cui tracciato lirico è dentro i modelli di una cultura popolare profondamente legata ai contenuti di una eredità mediterranea. Riviello era nato a Potenza nel 1933 e morto a Roma il 18 giugno scorso.

L’obiettivo del Centro Studi “Francesco Grisi” è quello di offrire una chiave di lettura di una personalità che ha fatto della poesia una ragione di vita. Il suo primo libro di versi risale al 1955:  “Città fra paesi”.

“Un libro, sottolinea Pierfranco Bruni, dove è possibile riscontrare già i temi e le problematiche che hanno fatto di Riviello un poeta della meditazione malinconica ma anche della forte capacità innovativa del verso. Proprio da questo libro bisogna partire per entrare nel di dentro dei modelli letterari che lo hanno accompagnato nel corso delle sue ricerche sia sul piano degli stilemi che su quello degli approfondimenti lirico – simbolici”.

Al 1997 risale una sua antologica di poesie dal titolo “Assurdo e familiare”. Mentre successivamente pubblica: “E arrivò il giorno della prassi”, “La luna nei portoni”, “Acatì”, “Scala condominiale”. In prosa sono da ricordare “Premaman” del 1968, “Tre favole potentine”, “E arrivò il giorno della prassi”. Agli anni Settanta risalgono i suoi testi poetici: “L’astuzia della realtà”, “Dagherrotipo”. Mentre negli anni Ottanta ha dato alle stampe: “Sindrome dei ritratti austeri”, “Tabarin” e la prima edizione di “Assurdo familiare”.

“Vito Riviello, afferma sempre Bruni, è stato un poeta che ha scavato all’interno dei processi popolari della sua Lucania partecipandovi con una forte dose di comicità ed ironia. Ha trattato il Sud attraverso un immaginario fatto di oggetti, di luoghi e di rappresentatività che lo hanno caratterizzato all’interno dei percorsi poetici del ‘non nostalgico’ anche se i sentimenti sono una traccia rigorosa in quella visione di letteratura ben radicata in una cultura delle contaminazioni”.

“Riviello, infatti, ha molto lavorato su una poesia contaminante e contaminata, dichiara ancora Bruni, e il suo Sud non è mai stato né una terra del rimpianto e tanto meno una terra del rimorso. Una lingua ben ‘strutturata’ nella evoluzione dei linguaggi globali”.

Il Centro Studi “Francesco Grisi” lo ricorderà con una conferenza sulla sua poetica e con interventi critici alla luce di una lettura ragionata delle sue poesie.

*

Centro Studi  E Ricerche Francesco Grisi
3389108211 -   Fax 0995925239

Viaggio dentro i ‘paesaggi interiori’ di 20 scrittori italiani
(rubrica settimanale a cura di M.P. Ciancio – XXII appuntamento)

Scrivere è un atto solitario, intimo e privato. Ci vuoi raccontare che senso ha per te la parola scritta e come vivi il rapporto della scrittura con l’altro e con il mondo esterno?
Riprende a distanza di qualche mese la rubrica SCRITTORI & SCRITTURE, per dare voce ad alcuni autori che per vicissitudini personali e/o familiari non erano riusciti ad aderire a suo tempo a questa iniziativa (così ben seguita e apprezzata nel mondo letterario e culturale del web). Inizio questa settimana col presentarvi l’intervento -della mia quasi omonina- Maria Pia Quintavalla:

«Penso che il migliore resoconto di quanto il pensiero poetico fa, a se stesso e poi nella lingua (che concrea), la gestazione in catene sonore dove impazza, prima di calmarsi nella forma da quell’inizio “che ditta dentro”: altro non sia, ab imis, un motus affettivo che lega psiche e soma fino al suo inverarsi, nero su bianco,delle parole scritte.
Tutto questo, trova allora la sua rivelazione in talune poesie –spie, che accadono.
Provo a rileggermi, nei testi di maggiore confessione profezia, lapsus, traducibili al ricostruire.
Le metafore le immagini lè riposte sono già poetica praticata, “Là, che ridiventa IL NIDO” scrivo.
Non ho mai creduto a certo “pensiero debole” declinato in minime forme, compiacenti dove la poesia si finge un parlato- pensiero. La parola scritta perde la sua acqua nativa.
Da Il Cantare escono indizi,”Un idealismo-pensiero che mi delizia / ha la mia donna ideale, sogna/ su tutte le pene delle altre donne”: spiego questo idealismo interno al pensiero come peculiare all’io che scrive, lo definisco capace di sorellanza, e ciò mi delizia perché porta ad una lingua di rosa mistica, che va oltre la cerniera dei corpi; subito poi, si continua a sognare: “indebolita da muri bianchi sognava/.lungo linee di stelle mosse./spazi di lenta costruzione/meno di una poesia” , ove si affaccia anche l’autoreclusione, quel prius che richiederà il gesto poein che la abbatte, nei laborioso viaggio in versi di stelle mosse, gesto però, non ancora poesia.
Ne vanno avanti così altre cinquanta: sono le poesia giovanili de Il Cantare.
Ne Le Moradas “..le sua mani /che scrivono malattia come cambiamento” sono le mani di Jeanne Marie, eroina dei comunardi(sempre un alter ego).La dedico a Fortini, con cui corrispondevo,
”lei (il poeta)perseguiva ma in sogno / d o v e più sogni, più doglie e/ albe allacciate in /eterei coiti tralucevano /esatta dizione del mondo”. Ora che siano i sogni, definiti altrove “ i sempreverdi” levatrice per eccellenza della parola di poesia glielo affido, e chiedo di farsi pratica, verso un’”esatta dizione del mondo”(Utopia, naturalmente). Le parole di poesia diventano in Estranea (canzone) anche, “Una di lei visione foto graffita,/ribaciata di balsamo e stazione ..// acconsentendo una canzone, il figlio”. Saranno “bianche eternivate, /tanto care” , o “bistrate a fuoco, non più a a lutto, canzoni” gli alfabeti nuovi a farsi carico dopo la storia, della parola plurale, libera di poesia!
In “Ecco un io pianetino” prosa poetica di Album feriale, invoco la vicinanza di Dio: ”Se Dio mi ama scrivo e se non scrivo muoio, peggio beccheggio, e stono fino a sera le mie modestissime preghiere che, come tozzi di pane restano là chiuse né con l’acqua si nutrono ma il ristagno che le gonfia e accompagna…può anche farne mollica o semente senza odore della sera”.
Ecco dunque quando è, come è: dove la parola si fa scrittura. In Purgatoriale, infine, invoco per me e la madre: ”Ora ed ancora, libera nos e respira: inspira omnia pensiero mundi..ritornava più altera e allegra..” Pneuma inaugurante, parola vivente oltre la vita, nella comunione dei vivi con i morti».

[giugno 2009]

NOTA

Maria Pia Quintavalla è nata a Parma, vive a Milano.

Ha pubblicato Cantare semplice (Tam Tam 1984), Lettere giovani (Campanotto 1990), Il Cantare (Campanotto 1991), Le Moradas (Empiria 1996), Estranea (canzone) ( Piero Manni 2000, nota di Andrea Zanzotto ), Corpus solum, (Archivi del ‘900 2002), Album feriale (Archinto 2005), Selected Poems (gradiva Editions 2008, N.Y).

Ha curato l’antologia Donne in poesia, tratta dall’omonimo festival (Presidenza Comune di Milano 1985, ristampa Campanotto 1988), che si è ripetuto in appuntamenti annuali.

Ha vinto i premi: Tropea, Cittadella, Alghero Donna, Nosside, Gold winners Nosside, Marazza Borgomanero, Montano, Città S.Vito, Contini Bonacossi, Alto Ionio. Finalista in cinquina al Premio Viareggio 2000. Tradotta in lingua spagnola, tedesca, inglese, serbo-croata.

Cura seminari sulla lingua italiana presso l’Università Statale degli Studi di Milano.

*

Maria Pia Quintavalla was born in Parma and lives in Milan.

She published: Cantare semplice (Tam Tam 1984), Lettere giovani (Campanotto 1990), Il Cantare (Campanotto 1991), Le Moradas (Empiria 1996), Estranea (canzone) (Piero Manni 2000, nota di Andrea Zanzotto), Corpus solum (Archivi del ‘900 2002), Album feriale (Archinto 2005), Selected poems (Gradiva Editions 2008).

She edited the anthology “Donne in poesia”, inspired by the homonym festival (Presidenza Comune di Milano 1985, ristampa Campanotto 1988).

She won many prizes: Tropea, Cittadella, Alghero Donna, Nosside, Gold Winners Nosside, Marazza Borgomanero, Montano, Città S.Vito, Contini Bonacossi, Alto Ionio. She was one of the five finalists in the Premio Viareggio 2000.Translations of her poetry in spanish, german, english, serbo-croatian.She organises seminars about the Italian languages among which the Università degli Studi in Milan.

(nella foto in alto, Maria Pia Quintavalla)

Lo spaesamento ecco cos’è:

un tempo in cui le mani non sanno più
se stringersi a pugno
o fermarsi

distendersi a ramo sul cuscino

(da Storie minime, p. 33)

Queste non sono poesie, ma versi e storie minime, nati «oltre la Svizzera» (parla chi è nata a Winterthur, e torna presto in una patria locale e italiana, «fatta di identità e di spaesamento»). Non dopo la Svizzera, ma oltre: per dire che il nuovo Paese è stato abbandonato sia ieri – il passato è passato – sia per sempre, e le conseguenze affollano ancora il presente, di una donna e di molti.
Non solo: i versi e le storie, che non si chiamano più poesie, sono «cavernosi e imperfetti», come le storie e la vita di Scotellaro. Cavernosa e imperfetta – dopo Scotellaro: «Rocco morto» – sarà Amelia Rosselli, nei testi e nella dizione, anche pubblica [i testi assomigliano a chi li scrive, la voce ripropone una storia pesante: dunque si sperimenta con la vita, si sperimenta la vita].
[…]
Lo stile è passione, oppure non è niente. Ma lo stile di queste metafore è – e sia – libero, oppure non è – e non sarà – niente. E Amelia parlava del suo amico, prima di tutto e dello stile; e dopo la cosa che qui si chiama Svizzera, cioè la perdita (e la perduta).
Così l’imperfezione cavernosa eccita la libertà stilistica, inattuale e senza Accademia (i segni sono evidenti: le maiuscole su Primavera ed Estate, i paragoni, l’anafora, il parlare di piante e animali reali, non mitizzati o simbolici; e l’esortazione ad un figlio). La libertà di dire chiede anche la prosa, che descrive e informa – quindi la libertà si mescola con tutto il resto, e con tutto. Gli stili si ibridano, come in una vita. Intanto l’emigrazione «ha ripreso a mietere e falciare altra gente»: compie gli antichi gesti dell’agricoltura, reali, e i gesti metaforici di una Morte personificata, che spinge i vivi oltre. Anche questo modo di parlare – in cui il non-detto è vasto quanto il detto – è la libertà di una «imperfezione» radicale. Ecco ciò che è esplicito e implicito nella scrittura di Maria Pina.
[…]
Qui non ci sono stanze morbide e non c’è riposo: chi pratica l’«imperfezione» delle storie minime si muove. E chi legge, dai suoi abitacoli comodi o nevrotici, impara che è impossibile, davvero impossibile – e forse vergognoso – scrivere senza intensità: «la protesta ha bisogno di passione», e la passione, che protesta, ha anche il suo stile. Questo stile fa una cosa serena e forte: rinuncia a rinunciare ai campi* quindi si espone al dolore dell’oltre la Svizzera.

[stralci tratti da una "Lettera sull’intensità" di Massimo Sannelli in postfazione, pp 41-45]

• Maria Pina Ciancio, “STORIE MINIME e una poesia per Rocco Scotellaro” (postfazione di Massimo Sannelli), Fara Editore 2009

• Sito web dell’editore:
http://www.faraeditore.it/html/siacosache/ciancio.html

19 giugno 2009 - ore 23,50

Certe notizie arrivano con il “passaparola”. Alle 12,00 del mattino l’annuncio della scomparsa del poeta Vito Riviello (Potenza 1933 -Roma 2009) girava tra tutti gli amici e i poeti lucani e non, connessi alla rete. Parole di commiato e di tristezza, l’ultimo abbraccio silenzioso, l’appuntamento al tempietto egizio del Verano per l’estremo saluto. C’è il calore, la partecipazione e la solidarietà di tutta l’intera comunità del web, che si stringe intorno al maestro (lucano) dalla poesia ironica e giocosa, che ci ha lasciati la notte scorsa, all’età di 76 anni. A tarda sera le fonti ufficiali di informazione tacciono! Nessun accenno alla sua scomparsa da parte dei notiziari, delle emittenti locali, della radio… Faccio una riflessione ad alta voce. E mi dico, allora, con rammarico che davvero i poeti non interesano più a nessuno, né da vivi, né da morti! E questa presa d’atto è un’ennesima (triste) constatazione della nostra realtà effimera e distratta!

L’ultimo ricordo che ho di Vito Riviello, risale a sei mesi fa, nella sua cittadina romana di adozione, alla fiera del libro di dicembre. Siamo numerosi presso lo stand della LietoColle, giovani e meno giovani e tra i tanti c’è lui, Vito, che con la casa editrice comasca ha da poco dato alle stampe la sua ultima raccolta poetica “Scala condominiale” (Lietocolle, 2008). Difficile non soffermarsi sul suo sguardo pacatamente attento e curioso, attraversato da un taglio di tenerezza, malinconico e fiero al tempo stesso. Era felice Vito per quella sua festa. Felice di incontrare amici, felice di autografare il suo nuovo libro. La dedica che mi scrisse, con una biro inusuale di colore verde, venne da un pensiero lungo e riflettuto, che nulla aveva di improvvisato o di casuale “A Mapi, alla sua vitale curiosità tra i versi in un mondo dove il sogno va conosciuto prima d’ogni altro limite. Con l’amicizia di Vito (Roma 7-12-2008)” e faceva seguito il numero di telefono di casa “perché più sicuro -diceva- perché i cellulari si perdono, i numeri si cambiano e non ci si ritrova più”. E mi pregava di chiamarlo, di andarlo a trovare nella sua abitazione romana, che’ aveva voglia di parlarmi, di condividere meglio il mio libretto “La ragazza con la valigia” di cui avevamo letto insieme qualche verso. C’era nel suo sguardo l’affetto e il senno (sapiente e sconfinato) di un padre. Quando a fine serata ci salutammo, mi ripetè ancora “Mi telefoni, allora!”. E non telefonai, per mio pudore, per timore d’invadenza (come sempre). Ecco, lo dico con rammarico adesso. E lo scrivo perché sappia.

I libri che mi sono più cari, vivono con me un totale rapporto di vicinanza, abititano insomma uno spazio aperto e “anarchico” fuori dagli scaffali e dalle librerie! Sul mio comodino ci sono -da sempre- due libri di Vito, entrambi in prosa , uno più in alto, l’altro in fondo alla pila (tutt’ora di circa 30 volumetti!). Faccio di mestiere l’insegnante e ho trovato illuminante e straordinario il romanzo breve “E arrivò il giorno della prassi” (Ed. Empiria, 1999), uno spaccato ironico e grottesco della realtà scolastica degli anni settanta, a metà strada tra autobiografismo e testimonianza, che tutt’oggi (lo confermo!) trovo di una modernità e di un’attualità disarmante. Ne ho scritto anni fa in una piccola nota su lucaniart* e la segnalazione si accompagnava a un bellissimo schizzo di Vito, realizzato per l’occasione, dall’amico vignettista Rocco Grieco. L’altro piccolo gioiellino, che troneggia da sempre (potrei dire) sul mio comodino, ha il bellissimo titolo di “La neve all’occhiello” con un etereo disegno di copertina di Luca Celano. E’ un “casalingo”, uscito nel 1986 per una casa editrice locale, con un taglio narrativo, antropologico e di reportage tutto lucano. Il segnalibro lo divide in due sul racconto ‘La neve’ (dove ho ritrovato a matita qualche vecchio appunto a margine). Ecco, stasera lo rileggo di nuovo e nonostante siamo in pieno giugno e fa caldo, la sento quasi venir giù quella neve potentina “dalla bianchezza allegra” che faceva del capoluogo lucano “il fiore all’occhiello”, la carta d’identità che spesso stupiva e sorprendeva “i forestieri” (li chiamava così i turisti Vito, non solo nei versi, anche nelle interviste) . Erano i tempi (gli anni 70-80) e i giorni belli (delle nevicate) in cui “il pensiero prendeva le ali e diventava leggero come un fiocco confondendosi con quel ritmo senza suono delle nevicate”.
Ecco, noi ti ricorderemo per questo e per tant’altro ancora.
Grazie e buon viaggio Vito.

Maria Pina Ciancio

in alto, Vito Riviello (disegno di Rocco Grieco)

“Non è che tu mi manchi/ proprio tanto se la tua mano/ ancora saluta” (V.R.)

Da queste piccolo spazio web, fatto di cuore e passione per la letteratura e per gli uomini,  ci stringiamo tutti nel nostro ultimo abbraccio silenzioso a Vito Riviello, GRANDE uomo, poeta e Maestro, che purtroppo nella notte improvvisamente ci ha lasciati. 
Domani alle ore 11 al Tempietto egizio (cimitero del Verano, Roma) possiamo dargli l’ultimo saluto.

*

Una poesia tra le ultime

“Destino”
Posato da un corvo sul monte
ebbi desideri di mare,
in forma d’ampio respiro
e devozione marina.
Quante Marie ho perduto
fra le reti dei miti
di carità cristiana.
Qualcuna era bruna e pagana
dalle rose esaltata
rendeva sempre più pallida
la mia speranza.
Metteva i piedi e il sorriso
sulla mia timidanza.
(Vito Riviello, “Scala condominiale” – LietoColle, 2008)

“

(nella foto- Vito Riviello fotografato da M. P. Ciancio, Roma dicembre 2008)

# Neve sul saggio paesaggio, acrilico su juta 2007 (cm 170×72)

Ne appofitto per segnalare la mostra “Spirito di Mater(i)a” personale di Donato Rizzi  che sarà inaugurata sabato 20 giugno, alle ore 19.00, presso gli spazi espositivi della Mediaterca Provinciale di Matera “A. Ribecco”.

CONCORSO LETTERARIO LUOGHI E VOLTI DI BASILICATA
Scarica gratis il Quaderno n. 2
I quaderni di LucaniArt – Volti e luoghi di Basilicata

All’interno testi selezionati di Gina Labriola, Nicola Frangione, Mara Sabia, Erminia Daeder, Mauro Savino, Alfonso Guida, Mariano Lizzadro, Giovanni Di Lena,Yzu Selly, Valerio Cascini, Alessandra D’Eugenio, Domenico Brancucci, Irene Settembrino, Erminia Daeder, Raffaele Pinto, Rosario Castronuovo, Giuseppe Torre, Giovanna Vecchioni e Loredana Vico, Giovanni A. Rubino.
Disegno di copertina di Roberto Matarazzo
A cura dell’Associazione Culturale LucaniArt ONLUS

© RUBRICA “SGUARDI E ASCOLTI DAL MONDO” a cura di M. Lizzadro

Come non volere bene a Bill Evans? La musica di questo immenso artista jazz mi ha fatto compagnia da sempre, fin da quando ascoltai per caso “All the things you are , midnight mood (Fragments)” dall’album “Alone” del 1970. Da quel momento la mia vita di ascoltatore di Musica è cambiata, così come è cambiato tutto nella mia vita quando tanti anni fa ascoltai Robert Wyatt e gran parte di quelle che vengono definite le generazioni di musicisti di Canterbury. Ma queste son storie diverse e personali.
William John Evans era nato a Painfield nel New Jersey il 16 agosto del 1929 da un gallese emigrato negli Stati Uniti, Harry Evans e da Siroka, di origine russa della chiesa ortodossa. Secondogenito aveva un fratello più grande, Harry Junior. La mamma era grande amante della musica classica ed era una discreta pianista e fu lei molto probabilmente ad infondere nei figli, e soprattutto in Bill, la passione per la musica. Bill era cresciuto tra il suono delle canzoni popolari del Galles e quelle della chiesa ortodossa russa. I genitori fecero impartire loro lezioni di musica: di piano al fratello Harry, di violino al giovane Bill di appena sei anni e in seguito, a tredici anni, di flauto. Bill assisteva spesso alle lezione di pianoforte impartite al fratello Harry e quasi per caso, per gioco, trovava facile e divertente ripetere ciò che aveva ascoltato. Fu così che ben presto si era dedicato a riprodurre sul pianoforte quei colori, quei suoni, quel tocco e quella dinamica che aveva sperimentato sugli altri strumenti. Bill fin da bambino si era dedicato allo studio delle musiche della tradizione classica, da Debussy a Mahler a Stravinskij per molte ore al giorno nello studio di questo strumento, il pianoforte, conosciuto quasi per caso. “Mi sforzavo di suonare ogni cosa con sentimento, con pathos ed espressività, utilizzando il pianoforte come un potente mezzo di espressione, la musica come un altro linguaggio, un linguaggio fatto di sentimenti e sensazioni”, come dirà poi lo stesso Bill. Una volta cresciuto era diventato un giovane dotato di gradevole presenza, alto e con belle mani. Aveva fatto dello studio classico, sei ore al giorno, il suo bagaglio. Prediligeva autori come Bach, Chopin, Debussy, Ravel, Bud Powell, Lennie Tristano. Successivamente però negli anni della guerra fredda aveva iniziato a far uso di stupefacenti per sopportare come meglio poteva le conseguenze di un servizio militare assai duro. Era stato all’inizio degli anni cinquanta il fratello a fargli conoscere il jazz. E il giovane Bill era attratto dall’ l’improvvisazione. Ma a guardar con altri occhi le cose, forse era stato il jazz a scoprire lui. Aveva suonato a dodici anni nell’orchestra di Buddy Valentino ed aveva precocemente scoperto che si poteva andare oltre le note scritte su di un pentagramma, ed il senso del blues. “Mi si aprì un nuovo orizzonte: l’improvvisazione jazz, che mi permise di rompere i rigidi schemi della musica accademica”, come dirà successivamente il Nostro Autore . Le conoscenze, il sapere e il saper fare, di Bill Evans erano superiori a quelle di tanti altri jazzisti. Infatti Bill Evans era diplomato in armonia e composizione oltre a possedere un profondo ed immenso background di studi classici. Inoltre si era anche laureato ed aveva suonato il flauto in una banda militare durante il servizio militare. Nella sua vita ebbe due compagne: Elaine e Nenette, ma fu costretto a sacrificare la vita affettiva per la carriera musicale. La sua vita fu costellata da numerosi lutti. Nel 1971 infatti aveva perso la compagna Ellaine, morta suicida nella linea della metro newyorkese, poi il padre Harry, alcolizzato da tempo e ormai distrutto dall’alcol e nel 1979 aveva perso il caro fratello Harry Junior anch’egli morto suicida. Ma già molti anni prima, nel 1961 il suo caro amico e giovane contrabbassista Scott LaFaro aveva perso la vita in un tragico incidente stradale, fermando inesorabilmente il suo nuovo linguaggio musicale in fieri. La droga aveva fatto irruzione nella vita di questo genio già molti anni prima ma per Bill, il fratello Harry era un punto di riferimento e morirà appena un anno dopo il suo suicidio nel 1979, in preda alla depressione.

Dal 1951 al 1954 era sotto le armi a Chicago. Da Chicago aveva deciso poi di trasferirsi a New York nel 1955 deciso ad intraprendere la carriera di musicista professionista. In questo periodo aveva conosciuto Tony Scott, un già affermato sassofonista e aveva iniziato a suonare con altri musicisti. Nel 1955 la prima incisione professionale non da leader, al fianco della cantante Lucy Reed, in cui aveva fatto la comparsa un suo capolavoro “Waltz for Debby”. Nel 1956 aveva stretto amicizia con il pianista George Russell. Sempre nel 1956 aveva registrato il suo primo album: “New Jazz Conceptions”. Pare di ascoltare Lennie Tristano fra i solchi di questo disco. Dopo l’incisione di “New Jazz Conceptions” era accaduto un mezzo miracolo: era stato invitato da Miles Davis a collaborare nella stesura di “Kind of Blue” unanimemente riconosciuto uno dei migliori album mai incisi nella storia della musica. Bill Evans insieme a tutto il manipolo di geni che ruotavano intorno a “Kind of Blue” era riuscito in una duplice impresa: aveva contribuito a rivoluzionare la storia della Musica con questa collaborazione ed era riuscito personalmente a creare un linguaggio pianistico nuovo. Successivamente Bill Evans col suo Trio aveva posto le basi per la creazione di un linguaggio musicale ex novo, il suo jazz con quel tocco di rara bellezza ed una preparazione straordinaria, sempre chino sullo strumento ed i capelli lisci e pieni di brillantina ed il volto da bianco ed impallidito. Il jazz del trio Evans aveva raggiunto sfere espressive mancanti fino a quel momento: colto, ricercato ma anche un jazz con gocce di tenera allegria. Mi piace terminare questo piccolo omaggio al Genio di Bill Evans con le parole di Enrico Pieranunzi, pianista italiano di fama internazionale e autore di una biografia di Evans: “Le sonorità morbide e risonanti, sempre conseguenti al carattere della narrazione in musica che egli sta improvvisando, senza mai ricercare uno scopo meramente decorativo o narcisistico”. Come diceva lo stesso Evans in uno dei suoi più grandi capolavori di piano solo “Alone”: “Il pianoforte è un mezzo (medium) di comunicazione artistica e la solitudine ti permette di raggiungere una perfetta armonia e comunicazione con lo strumento. Ma ciò solo in fase di studio per ottenere la massima concentrazione e il proprio miglior modo possibile di suonare, poi quello che conta nell’esibizione è riuscire a catturare il pubblico facendo in modo che il pianismo non sia uno sfondo ad un cocktail o ad una cena”.

Mariano Lizzadro

Riferimento su YouTube

http://www.youtube.com/watchv=OK1aFadJWgk&feature=related

Carissimi amici, collaboratori e lettori di LucaniArt, vi segnalo l’uscita -in questo sesto mese del calendario gregoriano dedicato alla dea Giunone, una delle più importanti divinità femminili della mitologia romana- del mio nuovo libro di poesie, edito per i tipi della Fara Editore dal titolo “Storie Minime e una poesia per Rocco Scotellaro”.

Un riferimento alla scheda del libro sul sito dell’editore http://www.faraeditore.it/html/siacosache/ciancio.html

L’Associazione Culturale ONLUS  “Magna Grecia Lucana” di Torino organizza due concorsi di poesia Isabella Morra & Albino Pierro.

Concorso di poesia in lingua italiana dedicato ad Isabella MORRA, poetessa lucana del ‘500
-Termine di scadenza per la presentazione delle opere: 15/06/2009
-Luogo e Data della Premiazione: Valsinni, 13/08/2009.

*
Concorso di poesia in lingua dialettale dedicato ad Albino PIERRO, poeta dialettale lucano del ‘900
-Termine di scadenza per la presentazione delle opere: 15/06/2009
-Luogo e Data della Premiazione: Tursi, 13/08/2009

 Testo selezionato dalla Commissione di lettura  al Concorso Letterario “Volti e luoghi di Basilicata 2008″ (sez. Narrativa).

Mi vengono strani disegni in testa. Alcuni rivestiti d’un paradosso così voluminoso che non può essere filtrato a nessuno. Guardando piazza Mario Pagano o della Prefettura, il Centro potentino, le idee di modifica e di stravolgimento diventano voluminose. Penso alla Galleria Danzi o Riviello o Serrao che potrebbe coprire uno spazio così movimentato e solare e risolvere i nostri problemi invernali. Si sa che qui fa freddo anche d’agosto, che a novembre tacita e sorniona compare la neve. Una Galleria costituirebbe il decantato scudo spaziale invocato dagli americani per fini meno pratici e nobili dei nostri. Questa grande calotta non dovrebbe discostarsi da quelle più illustri di Milano e Napoli. Dovrebbe essere caffetteria, snack, pasticceria, tavola calda e centro culturale nel quale esporrebbero artisti della pittura e ci sarebbero venditori di stampe come a Navona. L’alter ego del voltone della cattedrale di San Gerardo dovrebbe offrire pitture e disegni d’un novello Majer o anche di quel Treves che ha rubato a Signorelli e Michelangelo per animare la sua abside. L’ipogeo della Prefettura dovrebbe diventare una cripta illustre con oltre millecinquecento metri di spazio. Un grande Centro commerciale con boutiques e una navicella corsara che inviterebbe a prendere il caffè a bordo. Il sogno si sposta alla lunga ininterrotta fenestrazione a tunnel di via Roma. Attualmente, nessuno si gode il doppio della Pretoria.C’è un ultimo tratto,verso Porta Salza, che sembra fatto apposta per avere la capote. Anche il Sedile ha un sogno. Quello di diventare piazza al posto di corridoio di transito. Se non fosse follia pura distillata proporrei l’abbattimento tout court della Banca D’Italia, del palazzo Ignomirelli, del Catalano sacrificando fino a Penitente e Gioscia. La bella piazza di Spagna andrebbe dal Comune al Vico o Arco Picernesi. Potremmo sistemare di tutto. Anche la fontana e i bagni pubblici. E lasciare spazio all’esercito dei pensatori, di quelli che amano intrattenersi a discutere, dei giovani, delle coppie, degli angeli che intanto uscirebbero dalla compressione a cui li condanna la chiesa di San Francesco. L’antico convento chiostrato che si è fatto mangiare il meglio dall’ex tribunale. Abbatterei senza appelli l’istituto della CARIME. E’ un imbratto architettonico. Il fumè delle vetrate vorrei che venisse deglutito a fatica dagl’ingegneri inventori o pensatori. Solo gioia per la loro fine agonica. Alla Jimenez. Per Matera sarei meno radicale. Matera ha la fortuna di avere un boulevard per Corso. Vittorio Emanuele è bella, larga, piastrellata. La fontana sta bene dove sta. Sugli scavi,si può trasferire la piramide di Caio Cestio. Lo hanno fatto anche al Louvre. All’Annunziata non si può fare niente. Se le gru arrivassero a tanto, sposterei la struttura più sopra. Ma non le torcerei un capello. A chi taglierei anche le trecce morbide sull’affannoso petto è alla Banca Popolare del Materano. Che fa il paio della bruttura e della negligenza con la CARIME potentina. Davanti San Francesco, essendoci spazio a sufficienza, porrei una volta celeste. A danno del Centro Commerciale che ha vita altrove. Sotto quel cupolone, una grande gelateria come quella di viale Ceccarini a Riccione. Anche a Matera bisogna pensare all’inverno e non farsi sorprendere. Non lo si sconfigge guardandolo in tralice. Ma il sogno più grande e dinamico, esce dalla piccola esposizione e viaggia lontano. Praticamente investe l’intera Regione e riguarda le ferrovie delle appulo-lucane. Le quali hanno avuto la vita d’un pigmeo. Sonodurate dagli anni trenta ai sessanta. Ero a Pergola di Marsiconuovo nel sessantacinque quando venne deciso di sopprimere il tratto ferroviario che andava da Brienza a Marsico. Parve subito una pazzia da bere con l’assenzio. Le oltre diecimila famiglie che tratteggiavano il Melaggine si offesero e passarono a vie di fatto. Segni di lotta. Che per poco non diventarono cruenti. Insegnavo da quelle parti e assistetti al lamento lugubre della littorina ultima che andava. Una partenza senza ritorno. Poi, fu la volta di altre soppressioni. La storico o mitico tratto Potenza-Pignola-Anzi-Laurenzana non sopravvisse per molto. Non era ferrovia, ma un gioiello aereo come quello Cileno. A Tora avrebbero potuto imbrigliare l’acqua e ottenere l’altro Titicaca. Dovunque c’era un binario da rimuovere, non si badò a spese. Il trasporto su gomma sembrava la scoperta della penicellina. Il mio sogno è rivolto al recupero di ciò ch’è stato smantellato. Recupero e completamento dell’ellettica com’era nei sogni dei costruttori del Regime.
Basterebbero due anelli per girare in lungo e in largo la Regione con due navette ferrate. Rinnovando la Potenza-Laurenzana, l’ingegnosità dovrebbe mirare a sfondare Sella Lata e a portarsi sul Sauro. Fissando rette parallele su quel fiume, si arriverebbe al mare. Passando per Tursi e per la “temuta” Colobraro. Non credo che costerà di meno, se si farà, la superstrada Sauro-Camastra. Quanto al ramo Brienza-Marsico, bisognerebbe sfondare il muro-divisorio che separa i due Valli e uscire su quello meglio accreditato: tra Polla e Sala. Per continuare avanti. Fino al Pollino. E anche lì, una cremagliera per il Prete e per il Crispo. Da Marsico, non sarebbero problemi irrisolvibili quelli di far proseguire le rette parallele per Sant’Ancargelo e proseguire fino ai dimenticati paesi di origine albanese. Si faccia conto che la Basilicata non sia un’isola, ma un atollo. Caratterialmente lo è. Essendo assai più tondeggiante che spigolosa. Due anelli di ferrovie: uno alla base e uno verso linee altimetriche più alte sarebbero utili e sceniche. Come scenica è la visione michelangiolesca del Peccato Originale col serpente avvinghiato all’albero del Bene e del Male. La spirale, come la chiocciola, è vincente. In Inghilterra e in USA, in Germania e in Francia, le ferrovie ridotte sono gestite da forze e presenze amatoriali. In Francia esiste l’Unione degli esercenti ferrovie turistiche e da museo (Unecto) che raggruppa una quarantina di serpentine turistiche. Spettacolari da percorrere e da guardare. Basti prendere la Blonay- Chamby nella regione svizzera del Lago Lemano per avere una prima non ultima misura della suggestività e dell’utilità del percorso. Vi circolano locomotive a vapore italiane di tipo tranviario che gli svizzeri comprarono come rottame e che hanno restituito alla funzionalità. Così al Vivarais francese, capolinea Tournonsur-Rhone, trentadue chilometri aperti al turismo. Lo spirito amatoriale dell’impresa non conosce sosta e confini. Specie per quanto riguarda le mansioni di scorta(capitreni e conduttori) e di fuochista sulle vaporiere, il lavoro è affidato al volontoriato. La ferrovia del Bregenzer-wald, con capoliena a Bezau, in Austria, non lontana dal lago di Costanza, è a scartamento ridotto di 760 millimetri, costruita nel 1902 per il legname, è diventata un’ottima linea per passeggeri. Tutti amatori a bordo. Anche chi effettua le pulizie. Tutto questo ci dovrebbe fare ragionare di più e meglio. Noi avevamo strutture obsolete che con pochi interventi secchi potrebbero rimettersi costituzionalmente. Abbiamo fornito locomotive e vagoni agli stranieri, non si comprende perché non ne dovremmo attivare per noi. Fino a poco tempo fa, la stazione di Rocchetta Sant’Antonio era un cimitero di cimeli. Tante vaporiere costipate sembravano resti umani in un ossario a cielo aperto. Non so che fine abbiano fatto. Lo stato aveva tante vaporiere che le regalava in compagnia dei caselli ferroviari. Regalata (?) era quella di Tricarico che per una vita ha sostato nei giardini delle scuole elementari di quel paese. Chiù chiù e nun c’è chiù. Oggi la terza età è all’incirca una minaccia per le nuove generazioni che si apprestano a sorreggerla. Forse con contributi che non le saranno mai più mutuati. Fondi incommensurabili sono richiesti dall’INPS che boccheggia. Forse, potrebbe essere generosa la funzione di tanti vecchi bemportanti la riscoperta dell’ausiliarato nelle ferrovie. Tutte da venire. Bigliettai, manovratori, guardiabarriere appoggiati dal WWF potrebbero dare vita a una visione nuova del trasporto. Con grande recupero del paesaggio e utili non indifferenti. Con la poesia dello sbuffo fumogeno e dei fischi da buchi anonimi. Una strada contro la ragnatela fitta intrigata delle nazionali, provinciali, delle comunali, delle prediali, delle super che si stanno mangiando la natura e i loronaturali abitatori. A cominciare da lepri, volpi, istrici, donnole per finire al lupo che, per quanto si cerca di ripopolare, va soggetto all’estinzione. Perfino i serpenti hanno rotto la catena alimentare. Essendo quelli che più improvvidamente finiscono sotto le ruote delle automobili. Ho fatto una bellissima esperienza in Val D’Orcia, Toscana. Confuso ai turisti domenicali, me ne sono andato sul cosidetto “Treno Natura”, costituito da automotrici degli anni cinquanta, restaurate dalle maestranze del Deposito di Siena, sul percorso Siena-Asciano-Monte Antico. Un tratto ferroviario interessantissimo sotto il profilo culturale e paesaggistico. Molti avevano scelto il percorso alternativo che gli faceva accorciare le distanze. Ma non avrebbero vissuto della meraviglia che sapeva insufflare il coniglio di Alice. Il Nostro. Che ci conduceva per aree intoccate o apparentemente vergini. Pensavo alla Basilicata del mio cuore e alla maniera costruttiva di trascorrere parte del proprio tempo libero da parte dei vecchi. Aggiustando e rimettendo in funzione vaporiere e pezzi di binari,non potremmo non lasciare un buon capitolo di archeologia industriale ai nostri figli. I quali, come noialtri a volte ci lamentiamo di quadri e sculture famose che non ci sono più, si lamenterebbero di percorsi reali passati nel sillabario dei sogni.

 Giovanni Angiolo Rubino, Trivigno 1937

Nella vita di un uomo, a volte, le ore diventano silenzi.

Era seduto sulla panchina della sua città, in attesa di un nuovo ciclo di fermate della linea 118, in direzione casa, e pensava alla donna incontrata quella mattina al bar.

- Lei crede di conoscermi?
- Non direi, è la prima volta che la incontro!
- Può capitare di riconoscersi, no?
- Non tutti i giorni, me lo lasci dire…

Due battute, e poi di quel volto diafano, comparso all’improvviso, dietro il gusto di un caffè ancora tutto da girare, così, senza soluzione di continuità, di quella donna senza età non rimaneva che un odore familiare. Non si erano sfiorati, non si erano toccati, e di lei sentiva tutto.
Come se in piccole e grandi parti di sé, quella donna avesse da sempre abitato, come se ogni parola spesa fino a quel giorno, non fosse stato che vano esercizio mentale, e che valesse la pena rimanere muti, per ascoltare soltanto il senso pieno di uno spazio vuoto.
Quello in cui prima lei non c’era, quello in cui si sta soli, quello che ognuno di noi ha dentro per conoscersi attraverso i propri pensieri. In un’intimità così profonda e labile, una manciata di secondi e una virata, in senso diametralmente opposto, al tragitto verso casa, un uomo quel giorno viaggiava in se stesso. A volte, il senso di chi compie il nostro stesso cammino, è proprio questo: un là che ci accorda su ragioni del nostro sentire fino a quel momento presagite, eppure tralasciate.
Perché un uomo solo su una panchina, in un giorno qualunque della sua vita possa, insistentemente, pensare ad una donna dall’altra parte della città, o magari vicina, dietro le foglie e i rami delle sue osservazioni senza meta, a due centimetri dalle sue verità…? Perché una donna possa provare la sensazione di conoscere un uomo, a prima vista, in un giorno qualunque di un solito bar, e poi svanire dietro l’incertezza di non rivedersi più…?

Perché esistono stadi e gradi di conoscenza che hanno a che fare solo con l’acqua e si chiamano: immersioni.

Un uomo e una donna che non si conoscono oggi si pensano e questa straordinaria energia passa attraverso un mare di emozioni senza voce.
Dentro c’è uno spazio che il tempo non può scandire.
Fuori c’è un tempo che lo spazio non può contenere.
In tutto ciò che nutre l’anima,
in ogni anfratto della nostra coscienza,
c’è un desiderio di assenza.

Sulla panchina e in qualche punto della stessa città, in un giorno qualunque, due dimensioni parallele s’incontrano, nello spazio bianco delle ore.

# un inedito di Nadia Lisanti

# immagine in alto, Evanescenza – olio su tela di Giuseppe Bartolini

Nadia Lisanti nata a Potenza il 4 Marzo del 1978. Dopo la maturità classica si iscrive a Gurisprudenza interlineando il percorso universitario a quello letterario a Napoli.

Qui segue il corso di redazione per agenzie letterarie e case editrici tenuto da “Il Segnalibro” di Roma in collaborazione con le case editrici Guida Marotta&Cafiero, Pironti, Dante&Descartes e più tardi il corso on-line tenuto dalla Scuola Holden di Baricco “Scrivere” con De Agostini.

Esordisce in poesia con “Incorniciai nel vento” pubblicata nell’antologia “Tra un fiore colto e l’altro donato vol. V” Aletti editore 2007 cui segue Creatura in ” Verrà il mattino e avrà un tuo verso vol. IV” Aletti Editore 2008 e Il suono infinito in “Poesie del nuovo millennio”Aletti editore 2008. Nello stesso anno pubblica la prima raccolta di poesie dal titolo “Un attimo di più” Libroitaliano World Casa Editrice Internazionale e sigla la sua collaborazione con AMREF. Crea la rubrica interattiva “Spazio al tempo…Tempo allo Spazio” su www.galloitalica.wordpress.com e partecipa al Progetto Farfa “Sei scrittori in sei comuni” organizzato da Officine Culturali Assessorato alla Cultura Regione Lazio/Teatro delle Condizioni Avverse/Arthè Associazione Culturale. Presto in antologia il suo racconto.

Organizza a Potenza su invito del Progetto Culturale SUR Internazionale e della Rivista di Poesia Isla Negra di Giovanna Mulas e Gabriel Impaglione il III Festival di poesia Palabra en el mundo/Parola nel Mondo con Patrocinio gratuito del Dipartimento Formazione Cultura Lavoro Sport-Regione Basilicata e grazie all’adesione degli attori Rocco Piciulo e Antonia Bruno e dei musicisti Antonio Bruno, Marco Lopomo e Renato Pezzano.

Quando non corregge le bozze del suo prossimo libro, in prosa che uscirà per Aletti, Nadia Lisanti lavora con immensa gratificazione umana per la cooperativa da cui dipende e per la quale svolge assistenza scolastica ai minori e alle famiglie affidate ai Servizi Sociali.

di Maria Pina Ciancio

Perduta la sembianza d’uomo,/ fermo a una sbarra/ di stanchezze e speranza (Turoldo)

«Salmi metropolitani» (Ed. Del Leone 2009) è un libro testimonianza, un libro denuncia, ma soprattutto un libro di dedizione poetica, che si fa invocazione, supplica e preghiera, come un abbraccio silenzioso, benevolo e rassicurante.
Dopo La fontana d’acciaio (Ed. Polistampa, 2007) questa nuova raccolta di Michele Brancale si pone fin dal titolo, sotto una connotazione estremamente attuale, contemporanea, impegnata su più fronti: quello sociale, politico, umano.
La silloge nasce da un’urgenza e da una necessità (condivisa), dal bisogno di far emergere dai sotterranei, una voce (poetica) nell’assoluzione delle sue funzioni più alte (di umanità e umiltà), in un mondo frastornato e stordito dal chiasso, dal rumore, dalla fretta e dalla confusione.
Nel silenzio della pagina bianca si stagliano prepotenti fatti e storie di vita quotidiana, quelle che riempiono di cronaca nera i giornali e i TG di ogni giorno “guarderemo sullo schermo della tv,/ seduti, la bomba che ci entra in casa” (p.37), ma c’è anche la politica (la cattiva politica), la guerra, i resoconti della storia, il malaffare e un esercito di diseredati, di poveri, di abbandonati a se stessi, accerchiati dal laccio dell’indifferenza e della solitudine.
Quello che tristemente emerge dai versi di M. Brancale è una verità cruda e attuale: l’incapacità di non sapere più vedere, più ascoltare. E neppure riconoscere nell’altro qualcosa che ci assomiglia, che è anima, desiderio, sofferenza, solitudine, speranza.

(…) Di giorno
ovunque, c’è un Cristo minimo, basso,
dal volto bambino, che ha tutti i sogni
dei suoi coetanei, ma fa elemosina
ai semafori, talvolta si vende
(p. 158)

Fa da sottofondo ai versi una città grigia, anonima (aggredita da passi frettolosi, dal frastuono, dalle onde magnetiche dei cellulari). E’ lì, tra le strade, le piazze, i binari della ferrovia, il verde interrotto dai tralicci, i tetti di eternit, che avviene l’esodo di un popolo inconsapevole (consapevole?), incosciente e cieco. Accecato da se stesso, dall’orgoglio, dalle leggi del potere e del mercato “Affacciandosi alla terrazza interna/ dell’ultima casa, guardando indietro/ verso la città, siamo sulla prua,/ all’estremità: la nave incagliata” (p. 60).
Eppure, sembra dirci M. Brancale, la salvezza c’è, esiste. Viene dal “recinto delle piccole cose” (p.8) da “una voce nella sosta” (p.6), viene dal confidare e dall’affidarsi in preghiera (a quel Dio “sconfitto”, senza braccia e non visto, non riconosciuto). A quel Dio che sa risorgere sempre. Al miracolo che si compie inaspettato per strada.

“ (…) dai cavalcavia,
osservando i treni veloci in corsa,
riassaporo il valore di stazioni
anche piccole, le aree di sosta
dove chiami qualcuno che è passato
e allora avviene anche il miracolo”
(p.143)

L’autore non finge, fugge, non passa dritto, la sua parola poetica, così turoldiana (così vicina al misticismo), entra nelle cose, si pone in ascolto, a servizio dell’essere. Ad ogni “stazione” (una croce), un impegno di umiltà, un disvelamento. La grazia e la luce che si sollevano in leggerezza, in una nuova rinascita.

“L’uomo che ama la sua città non finge
Le proprie strade altrove. Vive dove
Sta un corso di pensieri radicato
Nel volto di chi incontra, nel cammino.

Fatti accanto al fratello dissipato
Nutrilo di parole personali:
da ramo secco riprende vigore”
(p.142)

Michele Brancale, Salmi metropolitani (pref. Antonio Tabucchi), Edizioni. del Leone 2009

Michele Brancale, nato in Basilicata nel 1966 in provincia di Potenza, vive e lavora a Firenze.